Musées et art

"La Vierge à l'Enfant", Masaccio - description du tableau


Vierge à l'enfant - Masaccio. 135,5 x 73 cm.

Cette image religieuse est entièrement réalisée dans l'esprit de la Renaissance. Malgré l'interprétation classique de l'intrigue, la technique de l'image et ses caractéristiques permettent de la distinguer parmi un certain nombre de tableaux similaires.

On peut dire que le désir du maître pour la symétrie et les proportions idéales se reflétait dans la toile. Hormis la partie centrale la plus importante, tous les autres détails de l'image sont complètement subordonnés aux principes de symétrie. Le pied et le trône massif et expressif est un véritable chef-d'œuvre architectural, qui ressemble beaucoup à un fragment du bâtiment en raison de sa structure et de sa couleur gris foncé "pierre".

Assis au pied du trône, les petits anges avec des instruments de musique en robe mauve sont presque symétriques. Ils tiennent tous les deux le luth dans leurs mains et s'assoient avec leurs jambes pendantes du piédestal sur lequel se trouve le trône, mais l'un d'eux est déployé aux trois quarts, et l'autre regarde de profil et tient le luth légèrement tourné sous un angle différent. Cette technique apparemment discrète et discrète rend la composition plus dynamique et efficace, vivante.

Derrière le trône, sur ses côtés, les figures de deux séraphins sont à peine perceptibles, ce qui, à première vue, semble symétrique, mais si vous regardez de près, de légères différences de posture deviennent perceptibles. La couleur des vêtements est également différente - l'une a une agréable nuance de pervenche bleu-violet et la seconde est rose corail.

Le fond ocre-doré souligne parfaitement le bleu profond de la tunique jetée sur la robe violette de la Madone, et fait écho au teint délicat du bébé chubby Christ. Un chiton bleu classique est bordé d'une bande dorée expressive, qui non seulement souligne la couleur elle-même, mais contribue également à ajouter du volume à la figure, s'inscrivant dans un motif complexe de plis.

Comme toujours avec Masaccio, les plis expressifs profonds des vêtements ne cachent pas ou n'aplatissent pas le corps, mais soulignent ses formes vibrantes et volumineuses. Malgré toute la saturation apparente des couleurs utilisées, l'impression générale de l'image est harmonieuse et agréable, car l'artiste observe magistralement les proportions et l'inclusion de couleurs vives pour éviter la panachure.

Le maître n'a pas manqué une seule occasion de rendre son travail le plus expressif possible sans la panachure et la fragmentation de la forme. Sur le piédestal, un ornement est clairement énoncé, ce qui se distingue par la symétrie et la simplicité de l'image, mais, néanmoins, rendant ce détail assez grand visuellement plus facile. La même chose s'applique au trône - sa massivité est adoucie par de petites sorties et des colonnes étroites. Les douilles stylisées font référence à la rose, symbole de la Vierge Marie.

Un beau jeu de couleur, de lumière et d'ombre crée avec succès du volume dans cette image, ce qui est très difficile à attendre de la légèreté en raison des spécificités de l'image. Néanmoins, l'image diffère fortement des peintures gothiques «plates» typiques, dont les auteurs n'ont même pas essayé d'aller au-delà de la bidimensionnalité habituelle de l'espace. Ici, il y a des idées clairement innovantes qui ont fait de Masaccio l'un des artistes les meilleurs et les plus doués du début de la Renaissance.


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