Musées et art

Le tableau "Madone Sixtine" de Rafael Santi, 1513

Le tableau

Madone Sixtine - Rafael Santi. 256x196

Depuis plusieurs siècles, cette œuvre particulière du grand maître de la Renaissance a été adoptée comme modèle et sommet de l'ancienne école européenne pittoresque. L'impeccabilité et la profondeur du travail ont été reconnues par les critiques, et aucune tentative de douter de la perfection de cette toile n'a été couronnée de succès, provoquant une tempête de protestations et le rejet de toute analyse critique.

Dès le XIXe siècle, Tolstoï, Dostoïevski et de nombreux artistes parlaient du phénomène d'admiration publique, ce qui rend difficile de percevoir cette œuvre individuellement et objectivement. De plus, tous, comme un, ont convenu qu'il s'agissait d'un chef-d'œuvre incontestable.

L’originalité de l’œuvre de ce maître, pour laquelle la Mère de Dieu avec un bébé dans les bras est une intrigue préférée, est qu’elle est peinte sur toile. A cette époque, la grande majorité des œuvres de ce type étaient écrites sur les planches. Certains chercheurs pensent que l'artiste a choisi la toile, car il n'a pas pu trouver une planche de taille appropriée.

La peinture a été commandée par le cardinal de Rover, le futur pape Jules II. L'œuvre était destinée à l'autel de l'une des cathédrales provinciales, dans laquelle étaient entreposées les reliques de saint Sixte et de sainte Barbara. Les deux personnes sont représentées sur la photo à côté de la Vierge et du bébé.

Tous les personnages de l'image avaient des prototypes dans la vie. On sait que l'artiste a écrit le pape Sixte du cardinal-client. L'une des légendes de l'image prétend que le pape est représenté à six doigts. L'échec de cette déclaration est évident si vous regardez de plus près la main du pape.

La composition de l'image devient plus claire si vous savez qu'un crucifix aurait dû être placé avant le travail. Ensuite, le geste du pape devient clair, indiquant le Grand Sacrifice du Fils de la Vierge à l'avenir, ainsi que la triste humilité de sainte Barbara.

Une paire d'anges tout en bas de la composition donne un son inhabituellement lyrique à l'image. Ce doux couple prive l'image de tout pathos, soulignant la signification principale et simple de l'intrigue - l'anxiété de la mère au sujet du sort de son fils.

Le visage non enfantin du sauveur et son apparente ressemblance extérieure avec la Mère font forte impression.

Le spectateur est délibérément déconcerté par un rideau terrestre tendu sur une corniche primitive. La minutie avec laquelle ce détail obscur a été écrit déroute le public, le fait réfléchir à la signification de ce détail, à sa finalité.

Les nuages ​​de l'arrière-plan de l'œuvre, qui sont de nombreux visages angéliques, soulignent la solennité, la signification de ce qui se passe, apportent à l'œuvre ce défilé sacré, qui est une composante indispensable de toutes les peintures d'autel de la Renaissance.


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